MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS 1920-1949

EXPRESIONISMO ABSTRACTO 

Es el movimiento artístico pictórico, que surge a mediados del siglo XX. El Expresionismo Abstracto es un arte no figurativo, que generalmente no se ajusta a los límites de la representación convencional.

CARACTERÍSTICAS 

* Su principal característica es la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. 

* Este movimiento agrupa una gran variedad de estilos que se caracterizan más por los conceptos que por la homogeneidad. 

* La abstracción subjetiva de los artistas. 

* Las primeras manifestaciones del Expresionismo Abstracto se encuentran en la obra del pintor ruso Wassily Kandinsky.
 

Max Ernst, Marcel Duchamp, Marc Chagall e Yves Tanguy recibieron la influencia de la abstracción subjetiva del pintor alemán Arshile Gorky y de Hans Hofmann, pintor y profesor alemán nacionalizado estadounidense, que hacía hincapié en la interacción dinámica de planos de color. Posteriormente difundieron el espíritu del Expresionismo Abstracto entre los pintores estadounidenses de las décadas de 1940 y 1950. Nueva York fue el centro del Expresionismo Abstracto, en la llamada Escuela de Nueva York.

TENDENCIAS DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO

La tendencia de Action Painting o Pintura de Acción: Los representantes centraban su interés en la textura y consistencia de la pintura, y en la gestualidad del artista, en el momento de su aplicación sobre el lienzo. Un representante importante dentro de esta tendencia fue Jackson Pollock, quien considera que el único modo de abordar la pintura consiste en dejar chorrear los colores desde un recipiente o salpicarlos sobre el lienzo, para hacer líneas entrelazadas que parecen prolongarse en decoraciones sin fin. Otros integrantes son: Willem de Kooning y Franz Josef Kline, quienes utilizaban amplias pinceladas muy empastadas para crear abstracciones rítmicas en un espacio virtualmente infinito.
Tachismo: Deriva del francés tache: mancha. Predominan en el las manchas de color. Los representantes son: Georges Mathieu y Camille Bryen, franceses; Antoni Tàpies, español; Alberto Burri, italiano; Wols, seudónimo de Alfred Otto Wolfgang Schülze, alemán, y el canadiense Jean-Paul Riopelle.
 florecimiento del Expresionismo en Europa influyó en pintores franceses como Nicolas de Stael, Pierre Soulages y Jean Dubuffet. 

ARTE MARGINAL

Surge en Francia mediado de los años cuarenta de la mano de Jean Dubuffet. Esta dentro del informalismo, pudiendo clasificarse como una fusión de estética neofigurativa (neo figuración) y de pintura materica.

Dubuffet definió el ¨Art Brut¨ como: ¨toda clase de producciones que presentan un carácter espontaneo y fuertemente imaginativo¨ (en francés, ‘arte en bruto’), término fijado por el pintor vanguardista francés Jean Dubuffet para designar el arte creado por personas que son ajenas a las formas de expresión artística y a los valores culturales tradicionales y que pintan espontáneamente para satisfacer una necesidad interior.

El concepto del arte popular, imposible de fechar, surgió de la noción del «pueblo», la misma que aparece en la Revolución. Los creadores del Art Brut son, sobre todo, niños, gente con graves desequilibrios mentales, presos o marginados sociales. halla su inspiración en este mismo abordaje del arte popular.

Este tipo de arte puede ser poco sofisticado, considerado en términos artísticos convencionales, pero atrajo la atención de Dubuffet por su pureza, originalidad y por estar libre de ataduras culturales. Se diferencia del arte naïf en que éste está realizado de cara a un reconocimiento público, mientras que el impulso que hay tras el Art Brut es de carácter totalmente íntimo. La creatividad del arte bruto o «arte fuera de las normas




Este tipo de arte puede ser poco sofisticado, considerado en términos artísticos convencionales, pero atrajo la atención de Dubuffet por su pureza, originalidad y por estar libre de ataduras culturales. Se diferencia del arte naïf en que éste está realizado de cara a un reconocimiento público, mientras que el impulso que hay tras el Art Brut es de carácter totalmente íntimo.

Dubuffet comenzó a coleccionar piezas de este arte en 1945 y, en 1948, junto con André Breton y otros, fundó la Compagnie d’Art Brut. En 1967 se expusieron en el Museo de Artes Decorativas de París cerca de 5.000 obras de la colección de Dubuffet, de las que gran parte estaban realizadas por pacientes de hospitales psiquiátricos, y en 1972 fueron presentadas en la ciudad de Lausana. Dubuffet incorporó la franqueza e inocencia del Art Brut a su propia obra pictórica y escultórica, que recibió gran aceptación por parte del público y de la crítica, cosa que iba en contra de la característica anticomercial que él tanto admiraba en el genuino ‘arte en bruto’





























NUEVA OBJETIVIDAD

Surge en Alemania hacia 1922. Este movimiento estaba en contra del arte subjetivo y emocional de los expresionistas de los años 20. Los artistas de este grupo optaron por la neutralidad de la expresión, en oposición al Fauvismo y al Impresionismo, y defendían un arte en el que la creación artística se identificaba con el oficio.

"Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad) fue el nombre dado por el crítico G. F. Hartlaub para designar a un movimiento que recuperaba elementos del expresionismo alemán inicial pero con un marcado carácter crítico. La principal exposición de este movimiento tuvo lugar en Manheim en el año 1925.
El crítico Franz Roh utilizó la denominación de realismo mágico para definir a este movimiento debido al carácter chocante o agresivo de su lenguaje realista.

CARACTERÍSTICAS - Rechazo del planteamiento sensorial y subjetivo del cubismo, del futurismo y del expresionismo, buscando la vuelta a los lenguajes objetivos del realismo.



- Figuración de carácter crítico-satírico tratada de manera agresiva y ácida mediante un dibujo caricaturesco de gran libertad expresiva.

- Representación ambivalente de la realidad: ausencia de emoción en la representación, casi superficial, pero al mismo tiempo tratada con una perspectiva socialmente comprometida.

- Gran nitidez visual con contornos bien marcados y trazos ágiles y vigorosos.

- Temática de denuncia social, próxima a lo vulgar, que resalta los aspectos más sórdidos de la realidad: corrupción, víctimas de la guerra, desumanización de la vida, escenas de gran ciudad con figuras perdidas entre edificios o inmersas en ambientes industriales, transfondos de miseria, prostitución, etc.

- Equiparación plástica de personas y objetos que son representados de manera rígida, mecánica, grotesca y desindividualizada.

- Composiciones rígidamente estructuradas, generalmente de cualidad narrativa.

- Colores fuertes, generalmente contrastados con negro (Beckmann).

INFLUENCIAS

Del realismo de la antigua pintura alemana y de la gran libertad grafico-plástica del expresionismo inicial que es llevada hasta sus máximas consecuencias.

ARTISTAS

George Grosz (1893-1959), Otto Dix (1891-1968), Max Beckmann (1884-1950), Rudolf Schlicher (1890-1955), Oscar Kokoschka (1886-1980), Ernst Barlach (1870-1938), Christian Schad (1894-1982) y Conrad Felixmüller (1897-1977).

EXPRESIONISMO (1905-1925)



El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.


Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.


El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el belga Ensor y el noruego Munch.

Representantes:

Ensor (1860-1949)

Edvard Munch (1863-1944)

Die Brücke ( El Puente)

Der Blaue Reiter ( El Jinete Azul)


























FAUVISMO

Es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.

No busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no buscar la perfección, este movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior.

El Fauve (artista fauvista), deja fluir su intuición al momento de crear una obra, que es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca las formas y paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los contornos con líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de fauvismo se pueden encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes, espacios como paredes o piezas, etc.

SURREALISMO



El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.

Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías.


El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.


El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.

El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial.

Representantes:

Ernst (1891-1979)

Tanguy (1900-1985)

Magritte (1898-1976)

Masson (1896-1987)

Chagall (1887-1985)

Joan Miró (1893-1983)

Salvador Dalí (1904-1989)

Neoplasticismo

Es una de las formas que toma la abstracción en las primeras décadas del siglo XX. Es una doctrina estética propuesta por Mondrian en 1920, se basa en una concepción analítica de la pintura, en la búsqueda de un arte que trascienda la realidad externa, material, reduciéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla universal.

Los conceptos fundamentales del movimiento son elaborados por Mondrian entre 1913 y 1917, mientras que su cuerpo teórico y su divulgación corresponden a Theo Van Doesburg. El movimiento se propone encontrar un sistema para construir un nuevo mundo de formas coherentes y organizadas. “El estilo”, abstracto y reductor, se caracteriza por la utilización de líneas horizontales y verticales, ángulos rectos y superficies de colores. Este proceso no sirve sólo para pintar cuadros o realizar esculturas abstractas sino también para los espacios de la arquitectura.

El método compositivo se fundamenta en alcanzar el equilibrio de los medios plásticos mediante una renuncia explícita a la simetría clásica y mediante el empleo de los contrastes y las disonancias de color:


“La multiplicidad de los contrastes produce enormes tensiones que, suprimiéndose recíprocamente, crean un equilibrio y un descanso. Este equilibrio de las tensiones forma la quintaesencia de la nueva unidad arquitectónica” (Zevi, 1960).

El cromatismo en la arquitectura neoplástica se caracteriza por el empleo de colores planos y abstractos. Su gama se reduce a los tonos primarios (el rojo, el amarillo y el azul) y los neutros (blanco, negro y gris). Algunos autores relacionan esta gama cromática que podríamos denominar “esencial”, con la noción de “primitivismo” que persiguen otros movimientos artísticos coetáneos y que motiva a otros colegas arquitectos a recurrir al empleo del blanco

Piet Mondrian (1872-1944)

Racionalismo

Corriente arquitectónica nacida en Europa a raíz de las desbastadoras consecuencias de la Primera guerra mundial. El racionalismo centra su interés en una nueva estetica que basa su fundamento en el uso de determinados materiales de construcción, como vía para ponderar arquitectónicamente una visualidad técnica y estandarizadora, la que a su vez se convierte en rechazo a toda ornamentación vacía y gratuita. De manera general las obras de arquitectura racionalistas se caracterizan por el predominio de los conceptos de estructura y función; por el uso de las formas geométricas simples con criterios ortogonales y por la concepción dinámica del espacio arquitectónico

Los arquitectos racionalistas en su afán de concebir obras en la que la estética industrial se hiciese sentir, resumían en sus construcciones los siguientes aspectos:
Bloques arquitectónicos elevados sobre pilotis (pilares)
Planta baja libre.
Fachada libre, independiente de la estructura.
Ventanas longitudinales (fenêtre en longueur).
Cubiertas planas y con la presencia de jardines.
Predominio de los colores rojo, azul, amarillo; más los acromáticos negro, gris y blanco.

Las características de las construcciones racionalistas


          Preponderancia de los conceptos de estructura y función.

• Inclinación y gusto por el uso de las formas geométricas simples y con criterios ortogonales
• Empleo del color y del detalle constructivo en lugar de la decoración sobrepuesta y gratuita
• Concepción dinámica del espacio arquitectónico.
• El uso de materiales de nuevo tipo como el acero, el hormigón y el vidrio.
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DADAISMO

es un movimiento artístico y literario que surgió durante la Primera Guerra Mundial como una forma de protesta ante los cánones estéticos dominantes. El término tiene su origen en el francés dadaïsme


creado propiamente por el escritor alemán Hugo Ball. El año 1916 y el Cabaret Voltaire de Suiza se consideran así el momento y el lugar donde se produjo el nacimiento de aquel, que revolucionaría el mundo del arte en general.


El dadaísmo trascendió la vanguardia artística y supuso una crítica a los valores vigentes durante la Primera Guerra Mundial y los años posteriores.

Esta pretensión revolucionaria hace que el dadaísmo suela ser conocido como el anti-arte. Sus integrantes apelaban, por ejemplo, a materiales inusuales para la confección de las obras artísticas.

La libertad absoluta, lo inmediato, la contradicción y la espontaneidad de dadaísmo buscaban derrocar las leyes de la logica, el pensamiento inmóvil, los conceptos abstractos, lo universal y la eternidad de los principios. Los dadaístas proponían el caos por sobre el orden y llamaban a romper las fronteras entre el arte y la vida.

Diversas ilustres figuras del citado dadaísmo como sería el caso del poeta francoalemán Jean Arp, el nombre de este movimiento cultural lo consiguió Tristan Tzara a partir de un diccionario. Y es que se dice que, buscando el nombre que definiera aquel, abrió un diccionario y buscó la palabra más absurda. En este caso, la encontró y la empleó. Nos estamos refiriendo al vocablo francés dadá que puede traducirse como caballo de madera.